アート活動で、「できる／できない」を揺さぶる。日常の価値を言葉に変えるコーディネーターの役割 こここインタビュー　vol.17

加藤　今の社会構造の中では、障害のある方たちは学校でも、福祉事業所・施設でも、「できる／できない」の評価軸に晒されていることがよくあります。例えば手先が器用な人などは、一般企業の障害者雇用や、就労継続支援事業所で“仕事（福祉的就労）”につける。一方で、それができないために、ご自身も親御さんも「社会の中に入れてもらえない」という思いを抱かれている方も多くいるんです。

仕事を目的としない生活介護施設でも、生活支援の延長線上にあるモノづくりが、商品化につながることはよくあります。これまでの評価軸自体を「何をもってできるのか」「できないのか」と問い直したり、社会に存在を示したりするために、何かを形にすることには大きな意義があるのだと思います。

竹丸　世の中の一般的な基準で評価されてしまう子どもたちの中には、表現活動を通じて、それまでの「できる／できない」の軸をガラッと転換させることがあるんです。例えば学校でも事業所でも、ずっと「勉強ができない」「作業ができない」とされていた子が、アートに出会った途端に「すごい」と言われたり。周囲の見方が変わると、親御さんも本当に嬉しいんですよ。

加藤　仕事ができて自立できること、経済的な生産性が高いことだけを「生きる価値」だとする基準でいては、そこに当てはまらない人は生きる資格がないみたいな話になってしまう。それこそ、津久井やまゆり園事件の犯人が抱いていた優生思想につながる話ですよね。

でも、表現活動を長年やってきた、全国のさまざまな現場は、もっと根源的な「生きる価値」そのものを発信していると私は感じてきました。「できる／できない」という基準以外のところから、すくいあげたい何かがあるのだと思います。

富塚　介護の現場に足を運ぶなかで、私も「高齢者が生きる価値を問われないためにも、アートが必要だ」と思うことがあります。どんな立場でも生きる価値があるはずなのに、労働力として見なされなくなる生活に、高齢者自身も適応できずにいる状況があるからです。

今まで社会に合わせてきた時間感覚や価値観もあるなかで、突然「多様だよ、自由だよ、好きにしていいよ」と言われても、困る人はたくさんいる。その発想の転換が必要なときに、アーティストという存在が効力を発揮します。

富塚　勇気がいるけど、本来自分が見せたいものは見せていいし、会いたい人がいるなら「会いたい」って言っていい。そうやって「ちょっとくらい迷惑をかけて生きていいんだよ」って背中を押す役は、アーティストがピッタリだなと思います。多くのアーティストは、そういうことに何度も悩みながら、それでも自分の気持ちを大事にしたほうがよかった、という経験をしてきているので。

竹丸　アーティストの役割は、私が見てきた現場で言えば「引き出す」イメージかもしれません。創作活動のなかで、アーティストとずっとやりとりをしている人が、自分でもよくわからないけれど「何か出てきた！」となる瞬間があるんですね。

それはアーティストが、人の心の奥をずっと見ていてくれているから。「もうちょっとない？」「ほらあった！」って、ぎゅーっと内面を引き出してくれる感じがしています。

富塚　本人の無意識下にあるものに焦点を当てる感じでしょうか。面白いですね。それをみんなで目撃してしまうと、内面を引き出されたその人に詳しくなった気持ちになる気がします。

そうやって人の内面に向かうアーティストもいるし、みんなが共有できるような体験をつくって、そこに人を巻き込んでいくアーティストもいる。アプローチの仕方はそれぞれですね。

富塚　職員さんのなかから、「なぜ福祉施設でアートプログラムをやるのか」と疑問が出てきたときには説明の難しさを感じます。「利用者のため」という範囲を超えた関わりができるのがアートプログラムの大きな魅力なのですが、前のめりでやろうとされる方がいても、組織として引き受けることが難しい場合もあるんです。

また、どうしてもアーティストが“音楽や図画工作の先生”以上のイメージになっていかないことも課題です。限られたワークショップの時間だけでは、一時の楽しみとしてある以上の展開に、なかなか踏み込んでいけません。

竹丸　わかります。私が関わっているような特別支援学校だと、子どもを守るためにも、外から来る人を警戒してしまう傾向があるんです。そこに配慮しながら進めていくのは大変で、担当者までは顔が見えていても、その先の管理職の方がアートプログラムを理解されないことは実際にありますね。そこさえ突破すれば、すっと広がる手応えはあるのですが。

加藤　私の場合は福祉事業所などの職員さん向けにワークショップやセミナーをしているので、まさに今お話いただいた職員さんの悩みを聴きながら、一緒に乗り越える方法を考えてきた感じです。例えば、富塚さんが以前〈小茂根福祉園〉のワークショップで行っていた、アルミホイルをくしゃくしゃにしたりするような活動は、日常では“問題行動”に映ることもある。それをできるだけ多様な見方で、「その人にとっての表現ではないか」と解釈していければと思っています。

ただ、職員さんたちが広げる難しさはやはり感じていて。職員さんが自ら意義を感じて動けるようにサポートをしてきていても、自分たちの施設に戻ったときに、温度感が伝えづらくて孤軍奮闘してしまう人が多いのは、一つの大きな課題ですね。

加藤　当事者の方がいつもたくさん描いている絵を、親御さんが稚拙だと考え、捨ててしまっているケースはよくあります。そうした表現行為に職員さんが光を当てようとしても、「外に出したら恥ずかしい」という気持ちになる方はまだまだ多いんです。

そこに対して、職員がどう説明をするのかが問われるのですが、実際には時間がかかりますよね。〈小茂根福祉園〉の『KOMONEST』も、商品としてさまざまなところで取り扱いがされ、外の人が「いいね」と言ってくれてはじめて、親御さんも「あ、いいんだな」となった過程がありました。

富塚　「芸術」というとどうしても、何か大きなもの、立派なもの、あるいは金属がぐにゃりと曲がっていて驚きのあるような作品などを期待するものですが、集中力が続かなかったり身体的な力が弱かったりする人には扱えない素材も多い。アーティストと障害のある参加者が、扱いやすい素材、例えば薄い紙で創作活動をしたとき、出来上がるものはただのくしゃっとした紙に見えるんですね。だから、持って帰ったらすぐに捨てられてしまう。

でも、つくった人にとっては、それが自分のアイデンティティを表現する大切な紙になっているわけです。アーティストとどこか抽象的な次元で心を通わせた、その時間自体が特別なものになっている。ですから、ワークショップをやっている側が言葉を尽くして、「これはすごい変化の末に出来上がった“作品”なんですよ」と、保護者や周りの人に価値を共有していかなくてはと思います。

竹丸　近親者だけでなく、もう少し遠い社会にまでプロジェクトで生まれている価値を伝えるのは、アーティストでもなく、施設職員でもない、私たちのようなプログラムをコーディネートする人の大切な役割だと思っています。職員さんたちもすごく想いを持っていて、社会に伝えたいことがある。そうしたことをキャッチして、きちんと外に出す人が必要なんです。

私は福祉施設で、現場の職員さんや評価の専門家も入ってもらって、ボトムアップで自分たちの感じている価値や想いを言葉にしていく活動をしています。自分たちで新しい評価軸をつくっていきたいなと。

富塚　社会的・公的な広がりを持てるまで、プロジェクトの価値を踏み込んで言語化する必要がありますよね。そこにはやはり、チーム戦でやっていかなければ実現できないこともあるので、「TURN LAND プログラム」のように運営を支える仕組みができたことは、すごく重要だと感じています。